Ein Modell liegt auf dem Rücken auf weichen Kissen und umklammert das Fleisch ihres erhobenen linken Oberschenkels, während sie mit der rechten Hand ihre Klitoris streichelt. Ihre Augen schließen sich vor Freude. Der Künstler beobachtet mit Freude, wie seine Zeichnung vollständig kommuniziert.

Als ich diese Zeichnung sah, schien die Bildunterschrift daneben an der falschen Stelle zu sein, denn sie wurde als Werk des berüchtigten sinnlichen österreichischen Künstlers Egon Schiele bezeichnet. Tatsächlich ist die Zeichnung deutlich signiert, in eleganten Jugendstilkapitellen, GUSTAV KLIMT. Wie ein Schüler, wie ein Lehrer. Die Mischung und Zusammenstellung von Zeichnungen des 1862 geborenen Klimt und seines Schützlings Schiele, 1890, ist ein überraschender, bereichernder und lohnender Vergleich zweier Genies, die sich gegenseitig beeinflussten und unterstützten und deren Vorstellungen sich als viel mehr gemeinsam erweisen, als ich dachte.

Auf den ersten Blick – die Lehrbuchversion der Kunstgeschichte – war Klimt ein erfolgreicher Insider, dessen Kunst, einst gelobt, konstruiert und jetzt etwas zu einfach aussieht. Dies mag nur die Folge sein, dass sein Meisterwerk The Kiss in den 1980er Jahren als Athena-Poster verkauft wurde. Zum Teil ist es aber auch das Ergebnis von Schieles Wiederentdeckung. David Bowie imitierte Schieles Selbstporträt-Posen und Tracey Emin emuliert seine fette Linie. Er ist unser Zeitgenosse in einer Art und Weise, wie Klimt es nicht ist – wie Sie vielleicht denken, bevor Sie ihren sinnlichen Doppelakt sehen.

Klimt’s Akt ist in dieser Ausstellung alles andere als eine Anomalie. Neben dieser Zeichnung befindet sich eine weitere, schlankere und stilisierte Darstellung der weiblichen Masturbation, die Klimt für eine Luxusausgabe von 1907 des altgriechischen Autors Lucian’s Dialogue of the Courtesans entworfen hat. Das Buch hat einen üppig grünen Einband aus Gamsleder mit einem Titel, der auf einer Goldplatte geprägt ist. Offensichtlich hatten die klassischen Gelehrten im Wien des 20. Jahrhunderts einen Sinn für die feineren Dinge.

Dies war eine Stadt, in der Sex eine moderne Religion war. Die Verweigerung des Begehrens ist der Fluch des bürgerlichen Lebens, schloss der Wiener Arzt Sigmund Freud, als er beunruhigten Patienten zuhörte, die Symptome von, wie er glaubte, sexueller Unterdrückung zeigten. Die Veröffentlichung seines Buches The Interpretation of Dreams im Jahr 1900 brachte die Sexualität in das Gespräch des österreichisch-ungarischen Reiches. Doch nicht nur Freud predigte den Triumph der Libido. Arthur Schnitzlers Stücke und Geschichten zeigen das Leben als sexuelle Tragikomödie. Auch Gustav Mahlers Musik ist von üppiger Erotik durchdrungen. Doch auch in dieser ekstatisch hemmungslosen Kultur gelang es Klimt und Schiele, einen Skandal zu erzeugen.
Es gibt hier Zeichnungen, die Geschichten von Zensur und Martyrium erzählen. Klimt’s Skizze für sein Gemälde Medicine ist eine fesselnde Vision in Bleistift und Kohle. Es ist wie ein Traum, der darauf wartet, von Freud entschlüsselt zu werden: Eine wildhaarige Gestalt blickt von einem wackeligen Turm aus menschlichen Körpern heraus, die sich hocken, verflechten, umarmen und schlummern. Ein Skelett grinst in der Mitte von allem. Diese fließende Oper über Sex und Tod wurde um 1900 für Klimt’s größten öffentlichen Auftrag, eine Reihe von Deckengemälden für die Universität Wien, gezeichnet. Sie wurden als pornographisch kritisiert, abgelehnt und 1945 von der SS mit ziemlicher Sicherheit zerstört.

Schiele litt noch akuter. 1912 wurde er ins Gefängnis geworfen, zunächst wegen Entführung und Verführung eines Minderjährigen. Als der Fall vor Gericht kam, war es seine Kunst, nicht seine Handlungen, die verurteilt wurden. Eine Zeichnung wurde sogar vom Richter verbrannt. Zweifellos hat er unter seinen vielen Aktfotos einige sehr junge Models gezeichnet: Das Thema seines 1910er Porträts Schwarzhaariges Nacktes Mädchen scheint von jemandem in ihren frühen Teenagern zu sein.

Im Gefängnis zeichnete Schiele seine Umgebung. Plötzlich blicken wir nicht mehr auf den Wiener Luxus, sondern auf den spartanischen Korridor eines Gefängnisses, in dem er im April 1912 Reinigungsbürsten, eine Lampe, Wassereimer und Zellentüren mit einem ätherisch zerlegten Minimalismus beobachtet. Die Nüchternheit dieses Bildes spiegelt die gereinigte Stimmung wider, die sich aus seiner Inschrift auf der Zeichnung ergibt: “Ich fühle mich nicht bestraft, sondern gereinigt!”

Es ist Klimt, der der ungestörte Hedonist ist, der seinen Wünschen mit der glücklichen Freiheit eines Künstlers frönen will, der wohlhabende Wiener dazu bringen konnte, ihre Sexualität mit ihm zu teilen. Frauen tragen Kleider, die sein Bleistift in fließende, wässrige Fantasien der Verlassenheit verwandelt. Seine geschmeidige Linie schafft grenzenlose Bereiche des abstrakten Vergnügens. Aber Schiele leidet. “Für die Kunst und meine Lieben werde ich gerne bis zum Ende durchhalten”, schreibt er über ein Selbstporträt aus dem Gefängnis. Darin ist er eine gequälte Gestalt mit abgeschnittenem Haar, seine Ohren ragen heraus, seine langen Finger spreizten sich vor Qual, als er seinen Körper unter grauer Gefängniskleidung krümmt. Seine anderen Selbstporträts sind ebenfalls sinnliche Akte des Selbstmartyriums. Er zieht sein Augenlid herunter, während er sich in ein stylisches Stirnband zieht, was ihm einen Hauch von Angst verleiht, was sonst ein gerades Porträt sein könnte. In einer weiteren Selbstdarstellung sitzt er nackt, sein violetter Penis ruht zwischen grün gefärbten Oberschenkeln und blickt dich von einem fast horizontal geneigten Kopf an.
Seine scharfe Betrachtung des eigenen physischen Wesens ist eine zurückhaltende Reduktion des Lebens auf das Wesentliche. Er zeigt seinen fleischigen purpurroten Rücken oder stellt sich selbst als schwerfälliges Monster in einem langen weißen Hemd dar und schneidet alle sozialen Konventionen, Kostüme, Höflichkeit aus, um die Existenz auf ihre elementarsten Elemente zu reduzieren. Er hat keinen Zweifel daran, was das Wesentliche ist: Sex und Tod.

Eine Frau liegt in schwarzen Strümpfen auf ihren dünnen Beinen, schaut Schiele kühn an und zeigt ihre roten Brustwarzen. Es ist sowohl tiefgründig als auch pornographisch. Das Modell ist knöchern, ihr Fleisch hat seltsame gotische Farbtöne. Sie können ihre Menschlichkeit und Verletzlichkeit in dieser verzweifelt offenen Aufzeichnung einer echten Begegnung sehen. Für Schiele ist Sex wichtig, weil er ein Beweis dafür ist, dass er lebt.

Dann, eines Tages, bist du nicht mehr am Leben. Schiele und seine schwangere Frau Edith starben beide 1918 bei der Grippepandemie, die einer vom Krieg verwüsteten Generation einen letzten brutalen Schlag versetzte. Klimt war nach einem Schlaganfall im selben Jahr gestorben. Es war auch das letzte Jahr in der Geschichte des besiegten österreichisch-ungarischen Reiches.

Doch diese jahrhundertealten Zeichnungen lodern vor Leidenschaft zum Sein. Bleistift, Aquarell, Kohle und Gouache auf Papier – was könnte sexier sein? Nichts, beweisen diese Künstler.

 


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Als ich diese Zeichnung sah, schien die Bildunterschrift daneben an der falschen Stelle zu sein, denn sie wurde als Werk des berüchtigten sinnlichen österreichischen Künstlers Egon Schiele bezeichnet. Tatsächlich ist die Zeichnung deutlich signiert, in eleganten Jugendstilkapitellen, GUSTAV KLIMT. Wie ein Schüler, wie ein Lehrer. Die Mischung und Zusammenstellung von Zeichnungen des 1862 geborenen Klimt und seines Schützlings Schiele, 1890, ist ein überraschender, bereichernder und lohnender Vergleich zweier Genies, die sich gegenseitig beeinflussten und unterstützten und deren Vorstellungen sich als viel mehr gemeinsam erweisen, als ich dachte.

Auf den ersten Blick – die Lehrbuchversion der Kunstgeschichte – war Klimt ein erfolgreicher Insider, dessen Kunst, einst gelobt, konstruiert und jetzt etwas zu einfach aussieht. Dies mag nur die Folge sein, dass sein Meisterwerk The Kiss in den 1980er Jahren als Athena-Poster verkauft wurde. Zum Teil ist es aber auch das Ergebnis von Schieles Wiederentdeckung. David Bowie imitierte Schieles Selbstporträt-Posen und Tracey Emin emuliert seine fette Linie. Er ist unser Zeitgenosse in einer Art und Weise, wie Klimt es nicht ist – wie Sie vielleicht denken, bevor Sie ihren sinnlichen Doppelakt sehen.

Klimt’s Akt ist in dieser Ausstellung alles andere als eine Anomalie. Neben dieser Zeichnung befindet sich eine weitere, schlankere und stilisierte Darstellung der weiblichen Masturbation, die Klimt für eine Luxusausgabe von 1907 des altgriechischen Autors Lucian’s Dialogue of the Courtesans entworfen hat. Das Buch hat einen üppig grünen Einband aus Gamsleder mit einem Titel, der auf einer Goldplatte geprägt ist. Offensichtlich hatten die klassischen Gelehrten im Wien des 20. Jahrhunderts einen Sinn für die feineren Dinge.

Dies war eine Stadt, in der Sex eine moderne Religion war. Die Verweigerung des Begehrens ist der Fluch des bürgerlichen Lebens, schloss der Wiener Arzt Sigmund Freud, als er beunruhigten Patienten zuhörte, die Symptome von, wie er glaubte, sexueller Unterdrückung zeigten. Die Veröffentlichung seines Buches The Interpretation of Dreams im Jahr 1900 brachte die Sexualität in das Gespräch des österreichisch-ungarischen Reiches. Doch nicht nur Freud predigte den Triumph der Libido. Arthur Schnitzlers Stücke und Geschichten zeigen das Leben als sexuelle Tragikomödie. Auch Gustav Mahlers Musik ist von üppiger Erotik durchdrungen. Doch auch in dieser ekstatisch hemmungslosen Kultur gelang es Klimt und Schiele, einen Skandal zu erzeugen.
Es gibt hier Zeichnungen, die Geschichten von Zensur und Martyrium erzählen. Klimt’s Skizze für sein Gemälde Medicine ist eine fesselnde Vision in Bleistift und Kohle. Es ist wie ein Traum, der darauf wartet, von Freud entschlüsselt zu werden: Eine wildhaarige Gestalt blickt von einem wackeligen Turm aus menschlichen Körpern heraus, die sich hocken, verflechten, umarmen und schlummern. Ein Skelett grinst in der Mitte von allem. Diese fließende Oper über Sex und Tod wurde um 1900 für Klimt’s größten öffentlichen Auftrag, eine Reihe von Deckengemälden für die Universität Wien, gezeichnet. Sie wurden als pornographisch kritisiert, abgelehnt und 1945 von der SS mit ziemlicher Sicherheit zerstört.

Schiele litt noch akuter. 1912 wurde er ins Gefängnis geworfen, zunächst wegen Entführung und Verführung eines Minderjährigen. Als der Fall vor Gericht kam, war es seine Kunst, nicht seine Handlungen, die verurteilt wurden. Eine Zeichnung wurde sogar vom Richter verbrannt. Zweifellos hat er unter seinen vielen Aktfotos einige sehr junge Models gezeichnet: Das Thema seines 1910er Porträts Schwarzhaariges Nacktes Mädchen scheint von jemandem in ihren frühen Teenagern zu sein.

Im Gefängnis zeichnete Schiele seine Umgebung. Plötzlich blicken wir nicht mehr auf den Wiener Luxus, sondern auf den spartanischen Korridor eines Gefängnisses, in dem er im April 1912 Reinigungsbürsten, eine Lampe, Wassereimer und Zellentüren mit einem ätherisch zerlegten Minimalismus beobachtet. Die Nüchternheit dieses Bildes spiegelt die gereinigte Stimmung wider, die sich aus seiner Inschrift auf der Zeichnung ergibt: “Ich fühle mich nicht bestraft, sondern gereinigt!”

Es ist Klimt, der der ungestörte Hedonist ist, der seinen Wünschen mit der glücklichen Freiheit eines Künstlers frönen will, der wohlhabende Wiener dazu bringen konnte, ihre Sexualität mit ihm zu teilen. Frauen tragen Kleider, die sein Bleistift in fließende, wässrige Fantasien der Verlassenheit verwandelt. Seine geschmeidige Linie schafft grenzenlose Bereiche des abstrakten Vergnügens. Aber Schiele leidet. “Für die Kunst und meine Lieben werde ich gerne bis zum Ende durchhalten”, schreibt er über ein Selbstporträt aus dem Gefängnis. Darin ist er eine gequälte Gestalt mit abgeschnittenem Haar, seine Ohren ragen heraus, seine langen Finger spreizten sich vor Qual, als er seinen Körper unter grauer Gefängniskleidung krümmt. Seine anderen Selbstporträts sind ebenfalls sinnliche Akte des Selbstmartyriums. Er zieht sein Augenlid herunter, während er sich in ein stylisches Stirnband zieht, was ihm einen Hauch von Angst verleiht, was sonst ein gerades Porträt sein könnte. In einer weiteren Selbstdarstellung sitzt er nackt, sein violetter Penis ruht zwischen grün gefärbten Oberschenkeln und blickt dich von einem fast horizontal geneigten Kopf an.
Seine scharfe Betrachtung des eigenen physischen Wesens ist eine zurückhaltende Reduktion des Lebens auf das Wesentliche. Er zeigt seinen fleischigen purpurroten Rücken oder stellt sich selbst als schwerfälliges Monster in einem langen weißen Hemd dar und schneidet alle sozialen Konventionen, Kostüme, Höflichkeit aus, um die Existenz auf ihre elementarsten Elemente zu reduzieren. Er hat keinen Zweifel daran, was das Wesentliche ist: Sex und Tod.

Eine Frau liegt in schwarzen Strümpfen auf ihren dünnen Beinen, schaut Schiele kühn an und zeigt ihre roten Brustwarzen. Es ist sowohl tiefgründig als auch pornographisch. Das Modell ist knöchern, ihr Fleisch hat seltsame gotische Farbtöne. Sie können ihre Menschlichkeit und Verletzlichkeit in dieser verzweifelt offenen Aufzeichnung einer echten Begegnung sehen. Für Schiele ist Sex wichtig, weil er ein Beweis dafür ist, dass er lebt.

Dann, eines Tages, bist du nicht mehr am Leben. Schiele und seine schwangere Frau Edith starben beide 1918 bei der Grippepandemie, die einer vom Krieg verwüsteten Generation einen letzten brutalen Schlag versetzte. Klimt war nach einem Schlaganfall im selben Jahr gestorben. Es war auch das letzte Jahr in der Geschichte des besiegten österreichisch-ungarischen Reiches.

Doch diese jahrhundertealten Zeichnungen lodern vor Leidenschaft zum Sein. Bleistift, Aquarell, Kohle und Gouache auf Papier – was könnte sexier sein? Nichts, beweisen diese Künstler.

 


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